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Julia Migenes is back at Théâtre Raymond Kabbaz for an evening of eclectic music – opera, classical music, jazz and international pop music. On September 19 2008 the singer will present a multicultural and multilingual program including pieces by Jacques Brel, Miles Davis, Damian Rice, George Gershwin, songs and arias from Titanic, Carmen and more. She will be accompanied by famous French pianist and composer Edouard Ferlet.
A world-class opera singer and a graceful dancer, Julia Migenes studied at the New York School of Performing Arts and then joined the New York Metropolitan Opera. She worked with renowned French choreographer Maurice Béjart and starred as Carmen with Placido Domingo in Grammy Award winning Francesco Rosi’s eponymous motion picture, that has since become a reference in the filmed opera genre. To this day, Julia Migenes has recorded more than 20 albums, has embodied many of the grand operatic roles (Carmen, La Boheme, Madame Butterfly) and played in more recent compositions (from Berg to Peter Eötvös) as well as music-hall shows and writes her own one-woman shows. She also created “La Argentina”, a tribute to tango inspired by Astor Piazzola’s work and released a new jazz album “Alter Ego” in the spring 2006.
Edouard Ferlet began playing piano at the age of 7 and studied classical music at l’École Normale de Musique de Paris, and later on at the Conservatoire regional. In the late eighties, he moved to Boston, US, and studied piano under renowned teachers: Herb Pomeroy, Hal Crook, Ed Tomassi, Ray Santisi, Ed Bedner… In 1992, he graduated from the Berklee College of Music in “Jazz Composition” and was awarded the “Berklee jazz performance award”. Back in France, he worked as a composer for a variety of TV programs and rapidly recorded may award-winning albums and obtained great critiques in the media.. He successfully conducted the musical direction for Julia Migenes’ show “Alter Ego”.

Théâtre Raymond Kabbaz
10361 West Pico Blvd, Los Angeles, CA 90064
Tickets: (310) 286-0553 or www.theatreraymondkabbaz.com

On September 6, 2008 French photographer Olivier Pojzman will debut 15-foot fine art photos of Southern California’s landmark beaches at James Coleman Gallery, on the bluff of Santa Monica.

After shooting the likes of Paris Hilton and Hilary Duff for InStyle and Paris-Match magazines for a living, celebrity photographer Olivier Pojzman’s massive 15-foot on canvas fine art shots of Venice Beach, Hermosa Beach, Santa Monica and Malibu beachscapes, will debut on the bluffs of Santa Monica’s swanky Ocean Avenue neighborhood in the “Horizons” exhibition. 
Unlike traditional landscape imagery, his innovative technique uses forced perspective to stretch the 180 degree capacity of the human field of sight to a minimum of 250 degrees.  The photos translate the immensity of the American landscape into 2 dimensions and add a painterly feel with the canvas medium.

The exhibition is slated for September 6 – 25, 2008 and an opening celebration will be held at the gallery on Saturday, September 6 from 7 - 10 p.m. The exhibition is presented by luxury real estate magazine SPACE magazine and proceeds from the sales of the works benefit local non-profit Heal the Bay.

Pojzman’s photographs feature lovely little surprises of abandoned bicycles, unique cloud formations, birds caught in flight, surfer’s gliding in joy and a sparkling ferris wheel, but lie in a painterly context of a theatrically striking panorama. His photos document the powerful beauty of nature today as a “visual alert” before it changes with the environmental and global warming issues that will soon change the face of the earth. He is inspired by the light of California and the spirit of creativity that attracted the entertainment industry here in the 1920’s. His work causes the onlooker to pause, meditate, look deeply into the details and then stand back as if appreciating a painting.

“Though Pojzman’s settings are familiar, it’s the forced perspective that is wider than our natural field of sight, their immense size and his use of canvas that really make them strikingly unusual,” said James Coleman Gallery director, Tony Kettering.  “The photos have an incredible painterly feel and his reputation for celebrity shots in every major international magazine makes his fine art vision all the more interesting.”

“I’ve never gotten over the immensity of this country,” says the Parisian born Pojzman. “I use my still cameras like a film (movie) camera, shooting from left to right in about 15 to 20 pieces and stitching it together. I then print the images on canvas, so the art becomes a fusion of a painting and a photograph.”

Celebrity photographer, Olivier Pojzman, launched IrisWork (www.iriswork.com) in February 2005 to produce fine art photographic imagery. His first IrisWork was created out of need to decorate a long wall in his new home and documented the beachscape of Playa Del Rey and then went on to include all of Southern California’s famous beaches and other locales such as his native Paris, Utah, Colorado, Kansas, Pennsylvania, New York, Mexico, England and Mauritania, west Africa.  His panoramic photography achieves a balance heretofore unseen in the world of fine art photography. The immense size of his panoramic projects is staggering and incredibly labor intensive. Olivier painstakingly stitches as many as 15-20 digital images together to create his panoramas.

His images range in size from 42 inches to 15 feet, calling to mind the works of his artistic heroes - David Hockney, William Turner, Edward Hopper and Ansel Adams. The final product is then printed onto a massive cotton canvas in a giclee style where its details can be studied on a minute and grand scale. The result is an exquisite photograph with the texture and balance of a painted masterpiece.

James Coleman Gallery
on Bluffs of Santa Monica
1431 Ocean Ave., Suite A
Santa Monica, CA 90401
310.393.7436

The Los Angeles County Museum of Art (LACMA) will present Francis Alÿs, Fabiola, an exhibition comprised of more than three hundred portraits of the Christian Saint Fabiola—all of them copies of a famed lost original—collected by artist Francis Alÿs. LACMA’s presentation, running September 9 through January 4, 2009, marks the West Coast premier of Alÿs’s encompassing group of Fabiola works, mostly paintings, as well as several versions in needlepoint, wood relief, and other materials.
Over the past two decades, Francis Alÿs assembled a significant collection of nearly identical paintings and other depictions of fourth-century Saint Fabiola. All of these are based on a renowned portrait devised by nineteenth-century French academic painter Jean-Jacques Henner. This much venerated image has been so assiduously copied by amateurs and professionals alike that it has become a popular icon, a phenomenon that, as the artist stated, “indicates a different criterion of what a masterwork could be.”

Au lendemain de l’intervention de Jean-Louis Cohen au Getty Center sur Le Corbusier,  le département d’architecture de UCLA recevait Jean Nouvel. La salle du  Perloff Hall est vite devenue trop petite et le département a dû ouvrir des salles supplémentaires. Elles étaient équipées de video-projecteurs permettant la transmission simultanée de cette conférence et accommodant ainsi les quelques centaines de visiteurs qui s’étaient déplacés et avaient attendu parfois plus d’une heure pour entrer.

Jean Nouvel se définit comme architecte contextuel. Il nous a révélé comment, alors qu’il était étudiant à l’Ecole des Beaux-Arts, il présentait ses projets sous forme de dizaines de pages d’analyse dactylographiées alors que les autres étudiants fournissaient les croquis que l’on attendait d’eux.

Car pour lui, l’analyse est primordiale. Chaque projet, chaque site, correspond à des paramètres, des contraintes, des atouts, une histoire qui lui sont spécifiques.

Par conséquent chacun des projets réalisés par Jean Nouvel a une identité propre. Il est moins concerné par créer son propre style (comme le blanc de Richard Meier par exemple) que de contextualiser ses créations. Lui-même avoue « La critique dit que je n’ai pas de style ». C’est qu’il lui faut d’abord répondre aux questions essentielles du quoi et du pourquoi et analyser le passé de façon à construire le futur.


Ainsi sa Torre Agbar (Barcelone, 2003) n’aurait pu être imitée pour le Musée du Quai Branly puisqu’il était hors de question de rivaliser avec la Tour Eiffel, à deux pas de là. Par ailleurs, Jean Nouvel a voulu s’écarter d’une architecture occidentale pour ce « Musée des Arts Premiers » où plusieurs artistes aborigènes ont été associés à la décoration intérieure. L’Institut du Monde Arabe à Paris et  sa « machine à habiter » à New York,  suivent des principes bien différents. Et ainsi en est-il pour chacun de ses projets. Quelques composantes semblent toutefois se répéter : la lumière, la transparence, et la poésie.

C’était une chance inespérée que d’entendre Jean Nouvel en personne parler de son propre travail. Il a su très rapidement conquérir son audience par sa simplicité et  sa décontraction. Tant et si bien que ses décisions architecturales s’imposent presque comme des évidences ! Los Angeles peut être fière de l’accueillir pour son nouveau projet au 10000 Santa Monica Boulevard.

Une révérence rafraîchissante à l’histoire de l’art d’Asie.

Le Geffen Contemporary at MOCA (Museum of Contemporary Art) à Los Angeles présente depuis le 29 octobre 2007 © Murakami. Ouverte au public pour près de quatre mois, cette exposition rencontre un vif succès. La file d’attente en ce samedi du mois de janvier en est la preuve. Survolant la carrière du jeune artiste japonais Takashi Murakami, ce one-man-show a été bien soigné médiatiquement : les grandes bannières fuschia sont visibles partout sur l’agglomération et les media ont largement commenté le pari audacieux de Paul Schimmel, Conservateur du Moca, pour avoir osé implanter une boutique Louis Vuitton au sein même de l’exposition. Mais une fois plongé dans cette exposition, la critique communément faite de l’aspect commercial de Takashi Murakami se dissipe pour laisser place à un aspect dont on entend moins parler à savoir ses nombreuses références à la longue tradition artistique de l’Asie.

Un premier exemple de cette influence est visible depuis l’entrée : Oval Buddha (2007). Cette sculpture d’aluminium et platinum se dresse à plus de cinq mètres de hauteur. En raison de cette grande taille elle n’est pas rappeler les sculptures colossales de Buddha comme le Kamakura Great Amida Buddha (Daibutsu). Si nous reconnaissons également la fleur de lotus ainsi qu’une vague ressemblance avec le Shaka (or Miroku) Buddha de Todai-Ji, ou encore les figurines Dogu de la période Jomon, ce Buddha est traité d’une façon presque caricaturale avec son corps de grenouille et ses yeux exorbités.
Même chose avec Reversed Double Helix (2003-2005) protégée par ses quatre gardiens placés aux quatre points cardinaux, comme de coutume depuis les temples mésoaméricains et en Asie ancienne. Ces gardes ne sont pas aussi effrayants et imposants que les Kongo Rikishi de l’Ecole Kei de sculpteurs de la période Kamakura à Todai-ji, Nara, mais ils prennent leur travail tout aussi au sérieux.
Cosmos (1998) est une oeuvre qui rappelle dans sa forme et son contenu les paravents peints sur soie d’Asie. Sa construction de panneaux verticaux ainsi que son thème floral et son fond métallique constituent des références solides. Elles nous rappellent par exemple Morning Glories (photo ci-contre) de Suzuki Kiitsu , peintre japonais du dix-neuvième siècle. L’or est remplacé ici par l’argent mais le thème et la composition sont très semblables. Le style « Superflat » de Murakami se retrouve aussi dans des peintures de la période Kamakura, comme par exemple le portrait de Minamoto no Yoritomo  du japonais Fujiwara Takanobu au douzième siècle.

Oui, les allusions commerciales sont présentes dans l’exposition. La boutique Louis Vuitton en est la preuve évidente. La Kaikai Kiki Merchandise Display Room en est une autre. Alignés dans des petites vitrines nous trouvons là une succession d’objets de mass production comme des porte-clés, des cartes postales, des tee-shirts. On peut presque entendre l’argent tomber dans la caisse ! Cependant, si l’on prend un peu de recul on s’aperçoit que ces objets sont disposés en fonction de leur couleur, créant donc une harmonie visuelle et semblable à une roue chromatique. Cet arrangement de biens de grande consommation rappelle les fameuses boites de soupe Campbell d’Andy Warhol dans les années 60, vers la naissance de Takashi Murakami. Le traitement patiné de 727, connu pour son personnage à-la-Mickey, rappelle lui aussi la Big Electric Chair de Warhol (qui lui aussi avait d’ailleurs travaillé sur des représentations de Mickey). Chez ces deux artistes nous voyons donc une intention de brouiller la démarcation entre les Beaux-Arts et l’art populaire et Murakami est souvent proclamé comme le  pop artist de ce nouveau millénaire. Comme Warhol, Murakami est souvent critiqué pour être trop « commercial ». Il y a bien longtemps qu’un artiste a travaillé sans espoir de contrepartie. Murakami accepte ces revenues et rémunère ainsi les équipes de sculpteurs et peintres et autres spécialistes qu’il emploie (tout comme Warhol le faisait) sur ses projets. Et comme Warhol, Murakami lui aussi a sa «Factory» : la Hiropon Factory. 

Le titre de l’exposition, avec son symbole du copyright (© Murakami), associe très clairement pragmatisme commercial et ses références légales. Toute photographie est d’ailleurs strictement interdite dans l’exposition. Le symbole du copyright est discret mais  partout présent. Ironiquement il ressemble aussi aux yeux de méduses qui sont partout chez Murakami, presque comme une signature. Cette forme d’humour Dadaesque puisque les méduses n’ont pas d’yeux pourrait être un clin d’œil aux « énigmes » Zen comme celle illustrée par Josetsu ‘Comment attraper un poisson-chat avec une gourde’ (quinzième siècle). Murakami parle également de cette idée de non-sens dans son Superflat Manifesto (sous-titré : “The meaning of the Nonsense of the Meaning”), en contraste avec le sens présent dans l’art occidental.

Voir l’Oval Buddha dans un jardin Zen serait sans doute agréable. Mais le Geffen offre un contexte intéressant, à deux pas de Little Tokyo et du  Japanese American National Museum. L’humour, les couleurs et la jeunesse qui émanent de ces personnages aux allures innocentes, tout cela a un effet revigorant.  © Murakami est probablement l’exposition pour adultes avec la moyenne d’age la plus basse à ce jour. On en ressort avec l’agréable légèreté d’être jeune ! Murakami semble construire un pont non seulement entre le passé et le present (l’ancien et le nouveau) mais aussi entre l’Est et l’Ouest.